AI音乐浪潮下人类创造力如何重焕生机：从巴赫到AIVA的思考
【观者有心】
构想出这样一种情景——有“巴赫格调”的赋格（此为由复调音乐做为载体的形式）在耳畔袅袅传来，不过那位进行创作的作曲家并非真实存在的人，居然是（借助深度神经网络所构建的音乐生成模型）。又或者，于那舞台之上播放出来的配乐获取了欧洲音乐奖的提名，然而其创作者却是人工智能AIVA（这是一款具备AI作曲功能的引擎）。在2025年的当下这个时刻，AI正依循着那般令人惊叹的速度对音乐生产的方式予以改变：能够进行谱曲，能够去配器，能够予之混音，甚至还能够去模仿某一位作曲家所特有的“手感”。可是当前所面临的问题已然并非是我们能不能够去抵抗AI，而是置身于这股浪潮之中，人类自身所拥有的创造力应当怎样被触发激发出来呢？创造优势该如何展现？
正如美国哲学家约翰·杜威所说——“艺术的意义在于经验的再生与延续”，所以创造力并非静态的遗产，而是一种持续更新的生命力。AI的出现促使我们重新审视艺术的本质：人类独有的是什么？我们还能如何创造？要切实激发创造力，就得把人置于音乐的中心，让技术成为灵感的放大器，而非替代者。
能够生成“像”的音乐这般情况的AI，却没办法回答“为什么此刻要这样写”这个问题。真正的创造力源自作曲者跟世界那独特的关系。要激发主体性，我们首先得让创作者重新具备可以选择与感受的自由。
存在一种可行的做法，那便是构建“人机共创实验室”，使得AI不再仅仅是工具，而成搭档，例如，音乐家能够借助AI提供素材草图，而后依据个人情绪、文化背景重新组建它，进而形成带有个性印记的全新作品，瑞典作曲家安娜·索德伦在其作品《of Code》里，便把由AI产生的旋律片段经由即兴演奏持续变形，致使技术变成情感的触发点。
还存在着另外一种做法，那便是能够去推广“创作轨迹记录”这样的制度，借助数字日志来记录作曲进程当中的那些关键决策，以及素材修改和情感反应，进而使得作品展现出一种“人进行思考所留下的痕迹”，这不仅仅归结于版权保护的范畴，更是一种文化层面的声明，即表明音乐依旧是归属于饱含血肉情感的创作者的。
对于AI而言，能对风格予以模仿，然而却没办法模仿情绪所具备的复杂性。激发创造力的那个关键点，实则是要让音乐再度成为情感的现场。情感并非是浪漫的一种附加存在，而是人类艺术那儿不可替代的根源所在。
存在一种可行的创新尝试，名为“情绪数据化作曲” ，这种作曲方式，会采集作曲者的心率，还会采集其脑电，也会采集呼吸节奏，之后，会把这些采集到的内容映射到音色与节奏变化上，进而让，音乐成为“情绪的物理记录” ，美国作曲家托德·马奇，就曾凭借此方式创作“心跳交响曲” ，达成了技术与心灵的互动。
与此同时，理应倡导“文化记忆编码”的实际行动。对每一位创作者而言，均存在独特的文化环境，诸如方言的声调、民族乐器的气息、地方戏曲的节律。 把这些要素进行数字化处理并嵌入到AI系统之中，并非是为了进行复制，而是为了维持文化的多样性。这种情况使音乐变成了一个“鲜活的档案”，并且让AI能够学习到人类经验的丰富程度以及差异之处。
若讲AI致使创作的门槛被降低，那么教育的使命便是将“构想”的门槛予以提举起来，面向将来的专门的音乐研习，理应更像是艺术的培育器，而不是技艺培训军队的一方，举例来说，处在芬兰的极具闻名度西贝柳斯音乐研习院校，院所设置“随性赋格和跨领域携手协作共事活动的进程”的课程，使得谱创作曲的研习的人一块儿从事跨感官体验的创作行为；或者是设置进行“算法批判评论批评”的课程活动，使得学生去剖析AI接受训练的数据中的文化方面的不公正的对待，学习怎样和装置之间进行交流沟通。上面所列举的实践行为说明，这样的跨越领域分割的教育能够将钻研人员的原本的新颖创作想法观点水平与共同协作共事的思维观念予以彰善显著地提升起来。
我们能够从作曲理论那门课程里面挑选出一部分课程去试着进行改革以及升级。《和声学》：摆脱大调或者小调的框架束缚，探寻微分音、频谱和声以及多重节奏，而这是人工智能难以用套用公式的方式做到的。《作品分析》：不但要关注结构，而且要剖析人工智能的训练数据以及算法偏见，进而探讨文化风险。《视唱练耳》：增添跨感官训练，也就是色彩对应音高、空间对应节拍、触觉对应音色，并且在即兴合奏当中培育快速反应以及协作能力。
涉及制度方面，音乐产业确实需要去构建一种“透明共创机制”，于韩国而言，存在厂牌作出规定，规定所有含有AI生成部分的歌曲都务必标明“AI参与比例”，而且要公开训练数据的来源，这一方面属于版权保护范畴，另一方面也是对听众知情权的尊重，在我们国内，B站有好些音乐UP主，会于视频当中同步展现自己的创作过程，这里面涵盖即兴演奏、删改旋律、调整节奏等等内容，从而让观众在“看着音乐诞生”之际，对作品的独特性产生了直观感受。
倘若要突出“人”的关键意义，于产业范畴之内，我们能够试着这么做：把作品划分成人类创意层级、算法生成层级、演绎层级，依照相应比例去分配收益；在发行作品之际附上生成日志，以便利于展开评审以及维护权益；在上线之前进行文化风险评估，以此来防止挪用特定群体的音乐元素。
在演出这个范畴之内，能够试着去做这些事情：将创作者的决策途径进行实时投影，从而使得观众能够“目睹”音乐是怎样被改变的；把换气、指尖摩擦之类“脆弱的声音”予以留存，以此让舞台更具人的气息；让观众的心跳、呼吸等相关数据在音乐生成过程之中实时参与进去，进而使得每一场演出都是独一无二的。
AI能够迅速生成“听起来尚可”的音乐，然而那些源自个人生命经历、文化记忆、独特感悟的作品，仅仅能够由人类予以创造。这是音乐文明的基因，并且是未来艺术演进的种子。
人工智能不会让音乐终结于人的手中，相反，它会去提醒我们到底什么才是真正意义上的创造，激发创造力并非在于决然拒绝技术运用，而是在于借助技术来激起崭新的思考以及别样的表达。在未来的音乐世界当中，或许不会再去区分究竟是“人”的作品还是“机”的作品，反而是会去区分是否是那种“有灵魂”的作品了。只要人类始终皆还拥有着好奇心、共情力还有想象力，那么音乐便不会被取代。这是因为真正的旋律一直都是源自于我们内心最最深处的震动呀。
（作者：崔哲，系哈尔滨音乐学院作曲系副主任，教授）
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